Pop Art

El término de Pop Art fue utilizado por primera vez por el crítico británico

Lawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo, utilizando imágenes populares dentro del arte.

El arte pop fue un movimiento artístico del siglo XX que está caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comics, objetos culturales y también del mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch (el kitsch es una relación del hombre con el medio ambiente, con las cosas) de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Muchas veces también es interpretado como ideales del expresionismo abstracto.

El pop art utiliza imágenes conocidas (como personas, o productos) para que se pueda lograr una imagen diferente, que sea estética y esto haga que llame la atención y despierte el interés de las personas. Está manifestación da como resultado estar relacionada con la moda, la vida, la tecnología, entre otras cosas. Y se sirve de mucho para el consumo comercial, y para objetos industriales.

Esta manifestación fue muy aceptada por el público porque por fin se lograba ver algo diferente, se muestran rasgos esenciales del medio ambiente, también tenía originalidad, la ironía, porque a veces se representaban también los estados de anime de la gente y también por las formas fáciles y divertidas que tenía su contenido.

Este movimiento surgió a mediados de 1950 en Reino Unido y a finales de ese mismo año en Estados Unidos. En Estados Unidos se definió como el tipo de dibujo Hard Edge ya que se utilizaban dibujos de contornos nítidos y estos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas que fueron alimentadas por la cultura popular de los estadounidenses

Los principales representantes junto con una de sus obras de este movimiento fueron:
-Andy Warhol: Lata de sopa Campbell
-Roy Lichtenstein: Good Morning, Darling
-Richard Hamilton: My Marilyn
-David Hockney: Beverly Hills Housewife
-George Segal: Times Square at night

España también recibió impacto con esta manifestación, aunque se puede decir que adquirió peso en la temática erótica y también política.
Algunos de los principales artistas son Eduardo Arroyo, Canogar, Juana francés, Darío Villalba y Ángel Orcajo




Andy Warhol: Lata de sopa Campbell

El Dadaísmo

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza)

Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el Franco-Rumano Tristán Tzara que llegaría a ensamblar el dadaísmo.

El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras, letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica.
Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social característico de los artistas del periodo de entre guerras.

El dadaísmo busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un anti arte.

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional.

El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música. El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos.

El origen del término Dada es confuso y controvertido. De acuerdo con la versión de Tzara y Ball, la palabra surge de la casualidad: abriendo las páginas de un diccionario con la ayuda de un cuchillo, el primer término señalado fue ese: dada. De acuerdo con otras versiones, fueron los camareros del Café Terrasse, lugar donde se solían encontrar estos artistas centroeuropeos, quienes identificaron primeramente al grupo como dada: para esos camareros, las lenguas habladas por aquellos emigrados eran incomprensibles, salvo la sílaba "da-da" ("sí, sí", en ruso y otras lenguas).

El Cubismo

El cubismo es una estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.

El término cubismo proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.

A partir de este tipo de arte se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.

Los cubistas buscaban deshacer las formas naturales y representarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.

Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.

Esta arte se opuso al movimiento en auge del momento, el Renacimiento le daba importancia muy grande a la perspectiva. En el cubismo, esta perspectiva desapareció, se fragmentó en líneas y superficies; esta nueva perspectiva recibió el nombre de perspectiva múltiple.

¿Dónde y cuándo empezó?
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914, pudo empezar antes pero su reconoció o se tuvieron sus mejores momentos entre estos años.

Diferentes fases del cubismo
Como punto de partida del movimiento podemos señalar “Las señoritas de Avignon” Hecho por Pablo Picasso, en 1907. Desde entonces, el cubismo planteó una nueva forma de arte; donde forma, perspectiva, movimiento y espacio eran protagonistas pero eran comprendidas de una forma estética muy diferente a la hasta entonces conocida. Se trataba de un arte mental, es decir que se separa de la interpretación o la semejanza a la naturaleza.

En este movimiento existen dos fases bien diferenciadas:
* Cubismo Analítico: se lo conoce también como cubismo puro y es el más complejo de comprender. Se basa en la descomposición de formas y figuras geométricas para analizarlas y volverlas a ordenar de una forma diferente y descompuesta.

* Cubismo Sintético: le siguió la corriente al anterior pero se basó en la recomposición de los objetos, es decir, a todo lo opuesto ya no en el análisis detallado de sus formas, sino en captar la esencia de su fisonomía. Estos artistas resaltaban a través de colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura.

El Impresionismo

El impresionismo es un movimiento de origen francés, que surgió a finales del siglo XIX y se difundió por toda Europa. Apareció como reacción contra el arte académico y es considerado el punto de partida del arte contemporáneo.

El impresionismo en la pintura partió del desacuerdo de algunos artistas con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Esta fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. Los impresionistas, en cambio, eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. No se utiliza el color negro.

Eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, utilizando para ello los colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto al ser percibidas global y unitariamente adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neonimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Siganc.



Édouard Manet, considerado el primer Impresionista, aseguraba que utilizando colores fuertes y contrastados, se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores. Los representantes principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley. Otros de los principales impresionistas fueron: Fréderic Bazille, Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Paul Cézanne, Charles Conder, Paul Gauguin, Armand Guillaumin, Childe Hassam, Konstantin Korovin, Winslow Homer, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Theodore Robinson, Vincent Van Gogh.

Unas de las principales obras del impresionismo son:

“La noche estrellada” por Vincent Van Gogh

-Estanque de nenúfares, sinfonía verde por Claude Monet

-Café de noche exterior por Vincent Van Gogh

-Les glaneuses por Millet